В выставочном зале «Ижад» Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова открылась выставка «Летние каникулы»
Выставка будет работать с 1 июля по 22 августа 2026 г.
Выставочный проект «Летние каникулы» представляет живопись, графику, скульптуру, арт-объекты и произведения декоративно-прикладного искусства. Их авторы — известные в республике и России художники и художники молодые, но уже имеющие в своём творческом активе престижные конкурсные награды.
Название проекта настраивает зрителя на, казалось бы, лёгкое вхождение в экспозиционное пространство. Но это только на первый взгляд: темы, которые поднимают участники проекта, обладают вневременной актуальностью и часто трактуются метафорически. При этом каждая выставка проекта «Летние каникулы» дарит зрителям и летнее настроение, и ощущение радости жизни.
Первая выставка проекта экспонировалась в выставочном зале «Ижад» летом 2019 года, Вторая — летом 2020-го, Третья, после двухлетнего перерыва, вызванного пандемией, — летом 2022-го, Четвёртая — летом 2023 года, Пятая — летом 2024-го. На открытии Первой выставки прозвучал резонный вопрос: «А почему “Летние каникулы?”» Ответ прост. Лето для любого художника — это не отдых, не каникулы в прямом смысле этого слова, а период особенно плодотворной работы: кто-то уезжает на пленэры и творческие симпозиумы, кто-то участвует в международных и зарубежных выставках, кто-то напряжённо работает в мастерской. Лето для художника — это время подведения итогов, раздумий и новых произведений, время подготовки к следующему выставочному сезону.
Третья и Четвёртая выставки проекта отличались от двух первых тем, что на них были представлены только произведения из собрания Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова. Пятая выставка, как и Первая, и Вторая, включает в себя в основном произведения из собрания музея, а также произведения из собраний художников. Важнейшей её особенностью является и то, что три экспонента — Евгений Клеймёнов, Сергей Краснов и Александр Толстиков — были в жизни и творчестве не просто коллегами, а близкими друзьями, товарищами. В этом смысле выставка звучит как посвящение памяти выдающимся российским и башкирским живописцам Евгению Клеймёнову и Сергею Краснову.
Светлана Игнатенко, искусствовед, заместитель директора
Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова
по научной работе, заслуженный деятель искусств РБ,
лауреат Государственной премии РБ им. М.В. Нестерова,
автор идеи и куратор проекта, автор экспозиции выставки
КЛЕЙМЁНОВ ЕВГЕНИЙ ОЛЕГОВИЧ (1947–1992) Уфа
Живописец. Монументалист.
Член Союза художников СССР (РФ) с 1985 года.
Родился 11 мая 1947 года в Уфе.
Начальное художественное образование получил в Московской средней художественной школе при Московском государственном (ныне — академический) художественном институте им. В.И. Сурикова (1959–1966). Специальное художественное образование — на факультете живописи Московского государственного художественного института им. В.И. Сурикова (мастерская профессора П.Д. Покаржевского /1998–1968/ и мастерская монументальной живописи профессора, заслуженного художника РСФСР К.А. Тутеволь /1917–1990/) (1966–1973).
В 1975 году в Москве работал внештатным сотрудником Государственного исторического музея.
В 1976–1978 годах жил и работал в посёлке Теплоозёрск Хабаровского края, где в фойе Дома культуры совместно с В.П. Мясоедовым и А.А. Гребенщиковым выполнил монументальную роспись «Праздничная феерия-фантазия по мотивам произведений Александра Грина».
В 1979–1991 годах жил в Уфе, работал художником Башкирского творческо-производственного комбината Художественного фонда РСФСР. Умер в Москве после тяжёлой продолжительной болезни.
В 1990 году совершил творческую поездку на Кипр.
С 1974 года — экспонент московских, республиканских, зональных, всероссийских и всесоюзных выставок.
Произведения Е.О. Клеймёнова хранятся в Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова (самая крупная коллекция), в частных собраниях в России и за рубежом.
Светлана Игнатенко, искусствовед,
заместитель директора Башкирского государственного
художественного музея им. М.В. Нестерова по научной работе,
заслуженный деятель искусств РБ,
лауреат Государственной премии РБ им. М.В. Нестерова
В модульной экспозиции Е.О. Клеймёнова представлены произведения из собрания Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова и произведение из собрания А.Г. и О.В. Толстиковых.
Евгений Клеймёнов был таким художником, о которых говорят «мастер». Великолепный рисовальщик, он столь же ярко был одарён в живописи, идя в ней от классики, от высоких традиций русского и мирового реалистического искусства. Глядя на его «Портрет Кати Толстиковой» 1986 года, это понимаешь особенно чётко. Это полотно удивительной красоты и глубины. В нём — умело переданная непосредственность, открытость девочки, сидящей в непринуждённой позе, взгляд которой полон живого, пытливого интереса к окружающему. За ней — простирающееся до бесконечности пространство мира, открывающиеся широкие и светлые горизонты жизни. Композиция портрета с его углублённым пространственным решением, валёры живописных охристо-золотистых, бело-голубых оттенков, тончайшая игра которых рисует далёкую перспективу морского пейзажа и светлого неба, уходящих вдаль в голубую дымку — во всём очевидное созвучие полотна с работами мастеров эпохи Возрождения, что, конечно, делает честь Евгению Клеймёнову.
…В Уфу Евгений вернулся в 1979 году. Эта дата стоит на «Автопортрете», хранящемся, как и другие его лучшие работы, в собрании Нестеровского музея. Своеобразно закомпонован этот совсем небольшой холст. В руке художника — осколок зеркала, напоминающий очертания сердца. В нём — отражение его лица, обрамлённого тёмными волосами и бородой, с напряжённо-серьёзным взглядом глаз. Ограниченное рамками зеркала лицо читается чётко на фоне висящей белой футболки с надписью на греческом «Согласие». «Автопортрет» выявляет сложное душевное состояние автора, его неуспокоенность, требовательность к себе. В этом произведении с его смысловой содержательностью, интересным драматургическим решением задан тот высокий уровень профессионализма и образной глубины, которые всегда отличали творчество Евгения Клеймёнова. Как кажется и то, что в «Автопортрете» есть предощущение собственной трагедии.
…На Республиканской молодёжной выставке в 1982 году Клеймёнов впервые показал свои шедевры — «Кора» (1981), «Восхождение. Памяти Александра Грина» (1982), — навсегда вошедшие в классику нашего изобразительного искусства. Первая связана с его юношеской любовью ещё к Греции, её истории и культуре. Чтобы глубже познать эту страну, он изучил её язык, свободно писал и читал по-гречески, знал народные песни и танцы. Ежегодно во время студенческой практики ездил в Керчь, жил на горе Митридат — этом островке греческой культуры.
...Южное солнце, окрасившее золотым сиянием землю и небо, окутало нежным теплом фигурку девочки, присевшей на колени среди древних глиняных сосудов. На курчавую головку она примеряет осколок греческой вазы-амфоры. Юность и древность, красота и вечность — вот философские ассоциации художника, воплотившиеся в этом пронзительно светлом, поэтичном холсте. Его живописная пластика, вобравшая в себя сложную игру золотистых тонов и полутонов, в которой словно растворена графика формы, непременно совершенной, перейдёт затем из этого холста во многие другие, обозначив мир одухотворённый, романтический.
Наверное, нет такого человека, который, хоть однажды увидев, не запомнил бы картину Евгения Клеймёнова «Восхождение. Памяти Александра Грина». Она притягивает к себе и западает в душу своей поэзией, тем вдохновенным состоянием, с каким художник показал восхождение человека к мечте и надежде. Блестяще нарисованная, написанная в гамме золотисто-охристых тонов, она словно соткана из воздуха и дыхания моря, согретых тёплым солнцем. В ней — ликование красоты, жизни и свободы как олицетворение поэтических грёз, рождённых фантазией Александра Грина и столь же романтичного художника.
Много вдохновенных работ Евгений посвятил детям, он их любил и понимал, не скрывал своих нежных к ним чувств. Образы детей как нельзя лучше воплощали его просветлённое отношение к жизни, которое столь ярко читается в вышеназванных произведениях, а также в картинах «Молодняк» (1984) и «Август» (1991).
Валентина Сорокина, искусствовед,
хранитель фонда живописи Башкирского государственного
художественного музея им. М.В. Нестерова, заслуженный работник
культуры РФ и РБ, лауреат премии им. П.М. Третьякова
ДОРОГОЙ ЖЕНЯ
Воспоминания о художнике Евгении Клеймёнове навевают светлую грусть и возвращают к замечательным временам нашей молодости. Его неожиданное возвращение домой в Уфу после овеянных легендами странствий по городам и весям необъятной страны, в узком кругу художников и творческой интеллигенции было воспринято настороженно и обсуждалось как своеобразное чудачество. Действительно, что же искал этот невероятно красивый, высокообразованный и одарённый человек в башкирской столице середины восьмидесятых годов, после создания грандиозной по замыслу и блестящей по мастерству исполнения росписи на темы Александра Грина, после шумной, многими желанной Москвы и предоставляемого ей карт-бланша? Думаю, что не ошибусь, если скажу — судьба вела. Счастливая судьба или несчастливая, пусть эту фразу каждый понимает по-своему. Я не фаталист, а вполне реалистичный в жизненных оценках человек, но это тот случай, когда могу себе простить подобное отступление.
Буквально с первых дней нашего знакомства я был потрясён всем, что определяло драматическую личность Жени. Общение с ним доставляло истинную радость и эстетическое наслаждение. Наши беседы о живописи, музыке, литературе, истории, философии, этнографии, палеонтологии оставляли во мне неизгладимый след. Женя был не просто начитанным человеком — он был учёным, блестяще ориентировавшимся во всех перечисленных мной областях культуры и науки. Знал и мог бойко изъясняться на редких языках, например, на греческом, и даже на каком-то его наречии, характерном для киприотов. А что стоят его перевоплощения из истинного денди в лихого донского казака! Вряд ли это было простое переодевание, форс или камуфлирование. Мне кажется, что это полностью соответствовало состоянию его души, души трепетной, ранимой и сопереживающей. И поэтому никому из здравомыслящих людей не придёт в голову попенять художнику Клеймёнову за цикл пронзительных по своей искренности работ, объединённых общим названием «Скрипка командарма».
Блестящий рисовальщик, тончайший колорист, Женя как никто другой умел оживить и одухотворить строптивую живописную фактуру, переливы и преломления цвета и света. В его творческом наследии есть несколько неоспоримых шедевров высочайшего уровня, и среди них незабываемые «Кора», «Автопортрет» (в красном), портреты Кати Толстиковой. О последних портретах говорю с особым чувством, потому что их героиня — моя старшая дочь Катя. Спасибо тебе за эти шедевры, великий художник и мой любимый друг Женя Клеймёнов!
Александр Толстиков, живописец,
академик Российской академии художеств,
член-корреспондент Российской академии наук,
доктор химических наук, профессор,
лауреат Государственной премии РФ,
экспонент выставки, Москва
ТОЛСТИКОВ АЛЕКСАНДР ГЕНРИХОВИЧ р. 1957 Москва
Живописец. Доктор химических наук (1994), профессор.
Академик Российской академии художеств (2013).
Член-корреспондент Российской академии наук (2000).
Лауреат Государственной премии РФ в области науки и техники (1993).
Лауреат премии им. В. Попкова (2011).
Обладатель медалей Российской академии художеств: «За заслуги перед Академией» (2017), Серебряная медаль (2018), «Достойному» (2022).
Обладатель Почётной грамоты Президента РФ «За заслуги в развитии отечественной науки, многолетнюю плодотворную деятельность и в связи с 300-летием со дня основания Российской академии наук» (2024).
Член Творческого Союза художников России с 2005 года.
Член Московского Союза художников с 2012 года.
Член Бюро отделения живописи Российской академии художеств с 2014 года.
Лауреат Всероссийского конкурса, посвящённого 100-летию образования РБ, в номинации «Живопись» (2018, Уфа).
Родился 16 августа 1957 года в Алма-Ата Казахской ССР в семье выдающегося химика-органика, академика Академии наук СССР (РАХ), доктора химических наук, профессора, заслуженного деятеля науки и техники БАССР, в 1977–1993 годах директора института химии Башкирского филиала Уральского отделения Академии наук СССР, председателя президиума Башкирского филиала Академии наук СССР, лауреата многих Государственных премий Генриха Александровича Толстикова (1933–2013).
В 1971–1993 годах жил в Уфе. Здесь сформировался как учёный и художник. После окончания в 1980 году химического факультета Башкирского государственного университета в 1980–1993 годах — сотрудник, заведующий лабораторией Института химии Башкирского филиала Уральского отделения Академии наук СССР. Живописи учился в Уфе: в 1980–1986 годах — в творческой мастерской народного художника РСФСР и БАССР, лауреата Государственной премии БАССР им. Салавата Юлаева Р.М. Нурмухаметова (1925–1986), в 1986–1992 — в творческой мастерской академика Российской академии художеств, народного художника РБ С.Б. Краснова (1948–2020). Здесь он сформировался, в первую очередь, как портретист: его художественным кредо стал русский реалистический портрет с ярко выраженным психологизмом образа. В той же степени волновали Толстикова и вопросы реставрации: в Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова завязалась его дружба с основоположником реставрации масляной живописи в Башкортостане Юрием Тимофеевичем Игнатьевым (1937–1999). Поэтому неслучайно, что, живя в Москве, на протяжении ряда лет Толстиков был руководителем музейно-выставочного и реставрационного центра Архива Российской академии наук и членом Совета по музейно-выставочной деятельности Федерального агентства научных организаций Российской Федерации.
В 1993–2000 годах жил и работал в Новосибирске: заведующий отделом Института катализа им. Г.К. Борескова Сибирского отделения Российской Академии наук. В 2000–2003 годах жил и работал в Перми: директор Института технической химии Пермского научного центра Уральского отделения Российской академии наук, организатор кафедры химии природных соединений на химическом факультете Пермского государственного университета.
С 2003 года живёт в Москве. В 2003–2013 годах — заместитель главного учёного секретаря Президиума Российской академии наук, в 2013–2015 — заместитель президента Российской академии художеств по научно-организационной работе, в 2015–2018— руководитель музейно-выставочного и реставрационного центра Архива РАН.
Известный специалист в области тонкого органического синтеза биологически активных соединений, химии углеводов, химии природных соединений и асимметрического металлокомплексного катализа. Автор и соавтор 350 научных публикаций в цитируемых отечественных и зарубежных изданиях, 8 монографий по различным разделам органической химии, 24 научно-популярных электронных и печатных изданий по истории науки и культуры. Автор многих статей об учёных и художниках в центральной периодической печати.
Инициатор, куратор и участник выставочных проектов, направленных на социетет науки и искусства. В «уфимский» период — выставок уфимских художников в зале Башкирского филиала Академии наук СССР и выставки «Десять художников Уфы — Новосибирску» в Новосибирском Академгородке (1987). В «новосибирский» период — выставочного проекта «Осьминог», цель которого — экспонирование совместных выставок московских, сибирских и уральских художников в Центральном Доме художников в Москве. В «московский» период — проектов «Музы в храме науки» (2008), «Музы в храме науки – 2» и «Социетет художеств и наук» (оба — 2009).
Произведения А.Г. Толстикова хранятся в Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова, Архиве Российской академии наук, Московском государственном музее «Дом Бурганова», в частных собраниях в России и за рубежом.
Во все времена в мире появлялись личности, обладающие многими талантами. К таким уникальным людям относится и Александр Толстиков. Я уверен, что почитателям прекрасного всегда интересно смотреть его работы и узнавать новые грани таланта этого многогранно образованного человека.
Сергей Краснов, народный художник РБ,
академик Российской академии художеств, экспонент выставки, Уфа
Будучи человеком универсальных способностей (достаточно услышать, как он играет на рояле или прочитать хотя бы одну его научно-популярную статью!), но консолидирующим две главные свои ипостаси — учёного и художника, — Толстиков прошёл в искусстве через многие «измы»: от реализма, академизма до оммажей.
В критической литературе оммаж (от французского hommage — признательность) рассматривается как составная часть поп-арта. То есть это произведение-подражание, это дань уважения и благодарности известному или выдающемуся художнику прошлого или настоящего, чьё произведение или фрагмент прямо цитируется другим художником в «своём» произведении. Фактически оммаж есть ничто иное, как ремейк на то или другое произведение, посредством которого осуществляется диалог оммажиста с его автором. Но у Толстикова оммажи не только написаны, но и сконструированы, становясь самостоятельным арт-объектом. Он поясняет: «До сих пор гадаю, что меня подвигло на создание большой серии оммажей? Ведь это давно пройденный этап в поп-арте. Единственное, что может служить мне оправданием, так это то, что на стиль “оммаж” я вышел совершенно случайно, когда после набившего оскомину многолетнего занятия реалистической живописью начал пробовать себя в авангардных техниках ассамбляжа и коллажа. …Пикассо любил повторять: “Я не ищу. Я нахожу”».
Для многих же, и в первую очередь для молодёжи, оммажи Толстикова — это ещё одно окно в мир живописи, в её многовековые пласты, знакомство с произведениями великих художников разных времён, стран и стилей, увидеть которые может не каждый, но знать которые всё-таки необходимо. Экспонируются впервые.
ТОЛСТИКОВА ОЛЬГА ВЛАДИМИРОВНА р. 1956 Москва
Художник декоративно-прикладного искусства, работающий в художественном текстиле и в технике «декупаж».
Кандидат химических наук (1989). Сфера научных исследований — неорганическая химия, химия биологически активных веществ и тонкого органического синтеза. Автор более 30 научных статей, соавтор одной монографии.
Родилась 8 апреля 1956 года в Усть-Каменогорске Казахской ССР. В 1960–1993 годах жила в Уфе. С 1977 года — жена А.Г. Толстикова.
После окончания в 1980 году в Уфе химического факультета Башкирского государственного университета в 1980–1986 годах — ассистент кафедры химии Башкирского государственного медицинского института, в 1986–1993 — ассистент кафедры химии Башкирского сельскохозяйственного института (ныне — аграрный университет). В 1993–2000 годах вместе с семьёй (дочерьми Екатериной и Еленой и мужем) жила и работала в Новосибирске: научный сотрудник Института катализа им. Г.К. Борескова Сибирского отделения Российской Академии наук. В 2000–2003 годах вместе с мужем жила и работала в Перми: научный сотрудник Института технической химии Пермского научного центра Уральского отделения Российской академии наук.
С 2003 года вместе с мужем живёт и работает в Москве. В 2003–2010 годах — помощник депутата Государственной Думы РФ, в 2010–2015 — помощник вице-президента Российской академии наук, в 2015–2023 — главный специалист Президиума Российской академии наук.
Художественным текстилем и декупажем занимается с 2021 года.
Всё, к чему прикасаются талантливые руки Ольги Толстиковой, отличается чувством вкуса и стиля. Таковы и её лоскутные панно, и старинная мебель, ею же отреставрированная и декорированная в технике «декупаж». Зритель легко оценит красоту и благородство их колористических и пластических решений и высокую культуру композиционного построения и, бесспорно, восхитится тем, что эти профессиональные произведения выполнены не художником, а учёным-химиком. Созданные для семьи, они экспонируются впервые.
Светлана Игнатенко, искусствовед,
заместитель директора Башкирского государственного художественного
музея им. М.В. Нестерова по научной работе, заслуженный деятель искусств РБ, лауреат Государственной премии РБ им. М.В. Нестерова
КРАСНОВ СЕРГЕЙ БОРИСОВИЧ (1948–2020) Уфа
Живописец.
Народный художник Республики Башкортостан (2008).
Заслуженный художник Республики Башкортостан (1998).
Академик Российской академии художеств (2007).
Лауреат премии ЦК ВЛКСМ (1976, Москва).
Лауреат премии Академии художеств СССР (1977, Москва).
Лауреат премии Комсомола Башкирии им. Галимова Саляма (1987).
Член Союза художников СССР (России) с 1976 года.
Член Творческого Союза художников России с 2004 года.
Член творческой группы «Март» (1989–1993).
Обладатель Серебряной медали ВДНХ СССР (1981, Москва).
Обладатель Золотой и Серебряной медалей Российской академии художеств (2018, 2002, Москва).
Дипломант Российской академии художеств (2005, Москва).
Родился 31 августа 1948 года в Уфе.
В 1966 году окончил художественно-графическое отделение Уфимского педагогического училища (ныне — колледж) № 2.
В 1978–1981 годах стажировался в творческих мастерских Академии художеств СССР под руководством народных художников СССР, академиков Академии художеств СССР Е.А. Кибрика (1906–1978) и О.Г. Верейского (1915–1993).
До 2020 года — заместитель председателя Творческого Союза художников РБ, куратор Центра современного искусства «Облака», член общественного совета МВД РФ по Республике Башкортостан.
В 1992 году совершил творческую командировку в Италию (Монтегранаро, Чивитанова-Марке), в 1998 году, в связи с экспонированием выставки «Неизвестная Россия», — в США (Джерси-Сити, Нью-Йорк), в 2004 — в Италию, где в Модене инициировал создание российско-итальянской галереи «Новый альянс», в которой тогда же состоялась его персональная выставка.
С 1972 года — экспонент республиканских, зональных, региональных, всероссийских, всесоюзных, международных, зарубежных и групповых выставок. Персональные выставки и авторские модули экспонировались в Уфе, Москве, Новосибирске, Челябинске, Монтегранаро, Чивитанова-Марке, Модене (все — Италия), Джерси-Сити (США), Гамбурге (Германия).
Произведения С.Б. Краснова хранятся в Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова (Уфа), в Музее русского искусства в изгнании (Джерси-Сити, США), в частных собраниях в России и многих стран мира.
Имя Сергея Краснова не нуждается в пространных комментариях. Любой, самый неискушённый зритель наверняка найдёт в его произведениях созвучное своей душе. Меня как поклонника его таланта привлекают высокий уровень профессионального мастерства и бурная, неуёмная фантазия.
Никита Михалков, народный артист СССР, режиссёр
С самого начала творческого пути Краснов чувствовал на себе внимание деятелей культуры из дружественных «цехов», особенно со стороны поэтов: Евгения Евтушенко, Ивана Жданова, Бориса Романова, Лидии Григорьевой и других. В нём они увидели единомышленника, философа-лирика, жизнелюбивой натуре которого всегда было близко романтическое восприятие жизни, почти гриновская поэтика в стремлении к прекрасному «далёко».
Становление творчества Краснова пришлось на так называемые застойные годы. Однако свою родину Краснов сумел увидеть не только в мрачных тонах. Рассеяны по частным собраниям, музеям и культурным фондам его пейзажи-элегии, пейзажи-оды. Остались в памяти их красивые, как осколки рифм, названия: «Ветер с моря», «Август», «С севера на север», «В стране осенних трав», «Архангельское», «Через мирные поля»…
Краснов — дитя города: его ранние произведения пронизаны опоэтизацией городского быта, он увлечён конструктивным сочетанием промышленных зданий, заводских агрегатов и взметнувшихся в небо корпусов жилых домов. Мотив «нездешности», «самостийности» обыденных, казалось бы, вещей получит дальнейшее развитие в работах 1980-х годов, когда Краснов вплотную подойдёт к выявлению «ирреального в реальном».
Уже в первых его полотнах явственно проступает черта, отражающая направленность личности художника — стремление к панорамному охвату действительности, неприятие любых ограничений в пространстве и во времени. Отсюда использование пространственного ритма крупномасштабных планов. Здесь не люди, а пространство природы становится главным героем картин. Оно развивается вдаль, в глубину, и крошечные фигурки людей теряются среди деревьев на величественных просторах земли. Этой экстраверсией объясняется и транснациональная направленность работ Краснова — его открытость Западу и Востоку, прошлому и будущему, страсть к далёким путешествиям.
За десятилетия своей творческой деятельности Краснов зарекомендовал себя основоположником нового для башкирского искусства направления — интеллектуального. Об этом свидетельствуют и активность его гражданской позиции, и монументальность, многомерность образов, и острый интерес общественной мысли к поднимаемой художником проблеме личности в истории. Ещё одно слагаемое живописной системы Краснова — использование и переосмысление общечеловеческих, выработанных мировой культурой символов и образов. Судьба живого, его тайна, его уникальность, трагическая обыденность перехода живого в неживое, философия их сосуществования — вот круг тем, которые волновали его в последние тридцать лет. А экологическая серия — это не только знамение времени, но и логическое развитие его миропонимания. Таковы самые известные картины — «Ода взлетевшему острову», посвящённая выдающемуся словацкому литографу Альбину Бруновскому, и «Тревожный сон рыбы»…
Действительно, картины-импровизации Краснова посвящены актуальнейшим проблемам современности. Они представляются уникальным фондом памяти и памятниками человеческому разуму и… человеческому безумию. Среди них — «Азбука геноцида» — широко известный и часто экспонируемый на выставках триптих о расцвете и распаде глобальной утопии «общества всеобщего благоденствия».
Излюбленный жанр Краснова — пейзаж. Его пейзажи — это вид из иллюминатора самолёта (а иногда и космического корабля). Ещё точнее — это аэропортреты земли периода космической эры. Художник первым привнёс в земную мелодию выставок окрыляющее ощущение свободного полёта. Особенно выделяется в этом ряду картина «Взлётная полоса», вызывающая почти полную иллюзию преодоления земного притяжения. Серия красновских аэроландшафтов — значительный вклад в это новое направление живописи. Она включает многие известные, тиражированные в альбомах и открытках произведения и, конечно, одно из самых популярных — полотно «Ода взлетевшему острову». Также широко известно, что репродукцию картины «Дороги, ведущие нас», опубликованную в журнале «Огонёк», увидели учёные-астрономы и пригласили Краснова на натуру — в станицу Зеленчукскую, где он и написал картину «Дорога к Ратану – 600».
Природа, в отличие от нас, хранит память о своём родстве с человеком, вот почему природа в красновских работах не просто одухотворена — духовность присуща ей изначально. Отсюда берёт начало тема родства всех форм жизни — от кристалла, камня до человека. Широко варьируется в живописи Краснова мотив оживления скал, камней, ландшафтов, архетипически восходящий к мифам о сотворении вселенной из частей первочеловека.
Эту же тему развивают и многочисленные натюрморты Краснова — с сухими цветами, перцами, рыбами, вырванными из привычного жизненного пространства и утратившими связь с миром растущей, вечно зелёной природы. Эти высохшие (в прямом и метафорическом смысле) предметы молчаливо свидетельствуют о всё уничтожающем беге времени. Ваза или полиэтиленовый мешок играют роль клетки, и помещённые в них растения или рыбы осмысливаются художником как «вещи в себе»: они хранят, подобно пленённым животным, память о прошлом и живут своей тайной жизнью. Отсюда шаг до метафизических композиций, где предметы разных эпох освещаются светом иного мира, проступающим из «трещин», разрывов во времени.
В последние годы жизни Сергей Краснов много работал над сериями, главной целью которых стало совмещение древних культур с цивилизацией. Стремясь высказываться в них как можно полнее, он столь же ревностно заботился о высокой степени художественности. А всё потому, что на протяжении всего своего творческого пути он настойчиво искал те тонкие и красивые этой тонкостью места, в которых цвет и свет сильнее слова и звука.
Составитель: Светлана Игнатенко, искусствовед,
заместитель директора Башкирского государственного художественного
музея им. М.В. Нестерова по научной работе,
заслуженный деятель искусств РБ,
лауреат Государственной премии РБ им. М.В. Нестерова
В модульной экспозиции С.Б. Краснова представлены произведения из собрания Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова.
МОЙ ДРУГ СЕРГЕЙ КРАСНОВ
Выбрав для своего эссе заголовок, аналогичный названию некогда нашумевшего кинематографического шедевра Юрия Германа «Мой друг Иван Лапшин», я намеренно пошёл на это, даже не переживая, что могу в одночасье получить в свой адрес обвинение в плагиате. Ведь когда за плечами дружба, овеянная немалыми и славными годами, а их в нашей жизни с Сергеем Красновым более тридцати, можно рискнуть и не таким! Действительно, что только не сделаешь для лучшего друга и художника милостью Божьей — и напишешь о нём, и станцуешь, и даже споёшь в его честь.
Впервые мы встретились в 1981 году в Уфе в стенах Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова, а ещё точнее — в реставрационной мастерской Юрия Тимофеевича Игнатьева. Сергей предстал перед нами сильным, молодым, энергичным, остроумным и удивительно обаятельным человеком. Он только что вернулся в Уфу после завершения стажировки в творческих мастерских Академии художеств в Москве, укрепив и развив свой яркий талант под мудрой опекой академиков Кибрика и Верейского. Для меня знакомство с живым и легендарным Красновым было ни с чем несравнимой наградой судьбы. После этой встречи я ещё больше проникся сопричастностью к высокому искусству: как же, сам Краснов уделил мне внимание и не просто так, а пригласил посетить его мастерскую и посмотреть новые работы!
Что и говорить, имя Сергея Краснова было на слуху — и не только в узком кругу искусствоведов и художников-профессионалов — оно вызывало повышенный интерес у большей части представителей культурной интеллигенции Башкирии. Как тогда было принято говорить, мы очень гордились своим земляком. Репродукции его картин всё чаще и чаще появлялись на страницах журналов «Огонёк», «Юность», «Техника молодёжи», «Творчество», «Художник». В моей библиотеке хранятся альбомы «Молодые художники страны» и «Молодость страны», в которых, наряду с живописью другого известного уфимского мастера Яна Крыжевского, представлены и картины Сергея Краснова.
После похода в его мастерскую я понял, что имею дело с необычной личностью, великолепным и оригинально мыслящим эрудитом, который без демонстрации своего очевидного превосходства деликатно направлял мировоззрение собеседника или зрителя в нужное русло, помогая осваивать новые горизонты в весьма мудрёных философских и житейских вопросах. Попав под очарование такого воспитания, я быстро «рванул вперёд» и уже через короткое время смело называл Краснова своим другом и учителем. Как добрый человек, Сергей не препятствовал такому положению дел.
Его мастерские (сначала маленькое полуподвальное помещение на улице Александра Невского, а через несколько лет светлая и просторная боттега на верхнем этаже высотки на улице Менделеева) стали своеобразной «Меккой» для продвинутых в культурном отношении жителей Уфы и других городов нашей необъятной Родины. Кто только не собирался под гостеприимной крышей красновской мастерской: художники, учёные, религиозные деятели, политики, музыканты классического и рок исповедания, литераторы, прозаики и поэты, артисты оперной и балетной сцены, режиссёры драматических и кукольных театров, цирковые, деловые люди и простые работяги — всех не перечислить! Мы были молоды, красивы, полны сил и озорства! Нас просто раздирало на части от желания сделать что-то необычное, выдающееся, прославить себя и свой город. Идеи лились рекой, и каждый из нас был невероятно трудолюбивым и чрезвычайно ответственным за выбранное дело.
Я всякий раз удивлялся, как в такой общественной «кутерьме» моему другу удавалось писать совершенные произведения, среди которых практически все «попадали в десятку» не только по оригинальности и актуальности идеи, но и по безукоризненному техническому исполнению. Многие холсты Сергея Краснова того времени до сих пор в моей памяти, и они по-прежнему будоражат сознание своей необычайной энергетикой.
Аура мастерской Краснова помогала быстро становиться на ноги и творчески развиваться тем, кто преданно любит искусство, кто видит в нём основной смысл своей жизни. В этой мастерской я прошёл обучение и стажировку как художник, стал профессионалом, для которого занятия изобразительным искусством, наряду с наукой, есть самое ответственное дело. Мнением и советами Сергея Краснова я всегда очень дорожил. В нашей с ним истории было немало совместных выставочных проектов, успешно реализованных в Отечестве и за рубежом. Его полушутливая поговорка «К сожалению, не каждый день пишешь шедевры» до сих пор не снимает с меня напряжение во время работы за мольбертом или за письменным столом.
Я уже говорил, что Сергей Борисович был очень лёгким и обаятельным человеком, что у него был удивительный юмор, не имеющий ничего общего с сарказмом или чернухой. Мой друг никогда и никого не обидел — ни словом, ни поведением. Его пытались обидеть и не раз, но природная доброта и уважение ко всем теплокровным и, в частности, к представителям рода Homosapiens, особенно к женщинам (даже художницам — он их по-особенному жалел), позволяли Сергею всегда оставаться на высоте положения.
Что сопровождает жизнь любого творческого человека, особенно известного? Конечно же, сплетни и анекдоты. Из них складываются мифы и легенды. Сергей Борисович великодушно относился к подобным россказням, справедливо считая, что от людского ока всё равно не скроешься.
Вот что правда, то правда: мой друг — выдающийся русский художник, действительный член Российской академии художеств, народный художник Республики Башкортостан! И это не вырубишь топором — это навечно занесено в Золотую книгу истории отечественной культуры. И он, и его искусство навсегда останутся в памяти наших соотечественников! В изобразительном искусстве Башкортостана и России!
Александр Толстиков, живописец,
академик Российской академии художеств,
член-корреспондент Российской академии наук,
доктор химических наук, профессор,
лауреат Государственной премии РФ,
экспонент выставки, Москва
ГАЛИМОВА ЗИМФИРА АХАТОВНА р. 1955 Уфа
График (акварель, пастель). Художник декоративно-прикладного искусства (горячий батик). Педагог.
Народный художник Республики Башкортостан (2024).
Заслуженный учитель Республики Башкортостан (2002).
Отличник народного образования Республики Башкортостан (1995).
Член Союза художников России с 2007 года.
Лауреат премии ТЮРКСОЙ за вклад в развитие художественной культуры (2011, Астана, Республика Казахстан) по результатам ХIII Международной творческой лаборатории художников тюркоязычных стран в Стамбуле в 2010 году, посвящённой памяти Османа Хамди Бея.
Обладатель Бронзовой медали ВДНХ СССР (1986, Москва).
Обладатель Золотого Международного диплома и Золотой медали «За вклад в развитие образования» (2015, Москва).
Обладатель юбилейной медали «100 лет образования Республики Башкортостан» (2018).
Дипломант Союза художников России (2008, Москва).
Лауреат Республиканского конкурса «Учитель года Башкортостана — 2000» в номинации «Педагогический поиск» (Уфа).
Обладатель Гранта Республиканского конкурса «К 450-летию единства Башкортостана с Россией — инновационный опыт лучших учителей» (2007, Уфа).
Победитель конкурса инновационных образовательных программ в рамках приоритетного Национального проекта «Образование» (2007, Москва).
Лауреат Республиканской выставки-конкурса «Изобразительное искусство Республики Башкортостан» в номинации «Декоративно-прикладное искусство» (2008, Уфа).
Лауреат IV Республиканского конкурса-выставки произведений преподавателей детских художественных школ, художественных отделений школ искусств и средних специальных учебных заведений, посвящённого Году Республики, в номинациях «Графика» и «Декоративно-прикладное искусство» (2010, Уфа).
Лауреат Республиканского конкурса изобразительного искусства, посвящённого 200-летию Победы в Отечественной войне 1812 года, в номинации «Декоративно-прикладное искусство» (2011, Уфа).
Дипломант II степени Межрегиональной выставки «Урал ХI» в номинации «Графика» (2013, Тюмень).
Обладатель диплома «Лучшая работа в номинации “Графика”» Республиканского конкурса-выставки изобразительного, декоративно-прикладного и фотоискусства педагогических работников «Рисую сердцем», посвящённого 25-летию Республиканского центра культуры учащейся молодёжи (2016, Уфа).
Лауреат Всероссийского конкурса изобразительного и декоративно-прикладного искусства, посвящённого 100-летию образования Республики Башкортостан, в номинации «Декоративно-прикладное искусство» (2018, Уфа).
Родилась 1 января 1955 года в деревне Лагерево Салаватского района Башкирской АССР. Художественное образование получила на художественно-графическом факультете Чувашского государственного педагогического института им. И.Я. Яковлева (Чебоксары; 1973–1978).
С 1978 года — преподаватель Республиканской художественной гимназии-интерната им. К.А. Давлеткильдеева в Уфе.
В 2010 году совершила творческую командировку в Стамбул (Турция) с целью участия в работе ХIII Международной творческой лаборатории художников тюркоязычных стран-членов ТЮРКСОЙ.
С 1978 года — экспонент республиканских, региональных и всероссийских, в том числе специальных (декоративно-прикладное искусство; текстиль; акварель; педагогика), международной и групповых специальных (декоративно-прикладное искусство) выставок.
Персональные выставки и авторские модули экспонировались в Уфе.
Участник многих пленэров, в том числе в 2023 году — Международного пленэра башкирских и белорусских художников «Башкортостан глазами друзей» в рамках Х Форума регионов России и Республики Беларусь.
Произведения З.А. Галимовой хранятся в Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова (Уфа), Курганском областном художественном музее им. Г.А. Травникова, Генеральной дирекции ТЮРКСОЙ (Анкара, Турция), Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Г. Айтиева (Бишкек), в частных собраниях в России и за рубежом (Казахстан, Турция, Чехия).
В модульной экспозиции З.А. Галимовой представлены произведения из собрания Башкирского государственного художественного музея им. М.В. Нестерова и собрания художника.
Выбор акварели, как и горячего батика,* для Зимфиры Галимовой, стремящейся к предельной гармонизации избранной образно-тематической линии, в основе которой — духовные ценности башкирской и тюркской культуры, — абсолютно логичен. Их объединяют кисть и мгновенность исполнения, отличает только основа: в акварели — бумага, в батике — натуральный шёлк, крепдешин, хлопок.
Акварели Галимовой лишены технических эффектов — размывов пятен, нарочитых пластических ходов: её ориентир — живописно-пластические традиции русской классической акварели, в основе которой — художественное воплощение пленэрного или предметного мотива. Таковы, например, акварели из известной серии «Мурадымовское ущелье». Созданные по следам живописного пленэра, они посвящены природному памятнику в Кугарчинском и Зилаирском районах Башкортостана, славящемуся уникальным ландшафтом, образованным скальными породами тектонического происхождения, а также 46 пещерами, чистыми озёрами и рекой Малый Ик. Символизм образов, передающий историческое дыхание ущелья, очеловеченность в «глазах» скал и в их формах, напоминающих большие головы, хранят наследие многовековой истории народа, его трагедий и радостей, потерь и побед. С той же ответственностью и эмоциональностью пишет Галимова родную Уфу — Уфу старую и Уфу новую, преображающуюся.
Живописность — основа стилистической концепции Галимовой и в искусстве горячего батика, в котором она работает не один десяток лет и смело экспериментирует. Метафоризм образов развивается в контексте национальной мифологии и символики: таковы панно, созданные по мотивам выдающегося эпоса башкирского народа «Урал-батыр», и панно из серии «Материя», в символической форме реконструирующие нравственно-эстетические основы национального мировоззрения. Лиризм образов главных героев «Урал-батыра» Янбике и Янбирде, объединённых силой взаимной любви, решён в стилистике экспрессионизма: некоторая утрированность в трактовке фигур, их силуэтность и плоскостность, усиленная дополнительным контуром, создают эффект бесплотности персонажей, ассоциирующейся с высотой и чистотой их духа, трогательностью и целомудренностью отношений.
В образной и композиционной структуре многих панно Галимова использует мотив кускарного орнамента,** ассоциировавшийся на протяжении многих веков у башкир с тамгой, у русских — с Древом жизни. Этот древний орнаментальный мотив (панно «Материя» и «Память» из серии «Материя» — яркие тому примеры) символизирует одну из наиболее важных и красивых констант народной духовности — культуру памяти народа, питающую идею неразрывной связи поколений и сохранения традиций народной культуры и бытия. Но к какой бы теме не обращалась Галимова, все её произведения обладают высоким уровнем линеарной и колористической изысканности, который не мог бы появиться без природного чувства цветовидения и композиционно-пластического дара, которые, в свою очередь, являются гарантом стилистической безупречности её батиковых панно и акварелей.
Трудно сказать, что в творчестве Галимовой было первичным — горячий батик или акварель. Пластичность и живописность — основа её творческого метода: она работает в широком цветовом спектре, наполняя цвет светом и добиваясь этим приёмом в акварели эффекта внутренней пульсации изобразительной формы, в батике — внутреннего свечения и золотистости красочного слоя.
Светлана Игнатенко, искусствовед,
заместитель директора Башкирского государственного
художественного музея им. М.В. Нестерова по научной работе,
заслуженный деятель искусств РБ,
лауреат Государственной премии РБ им. М.В. Нестерова
Примечания
*Батик — техника росписи по ткани, а также сама расписанная многоцветная ткань, выполненная в этой технике. В традиционной технике батика, возникшей на о. Ява в Индонезии, рисунок наносится тонким слоем воска, материю опускают в краску, которая окрашивает непокрытые воском части ткани. В России батик известен с ХVI века, но не получил такого распространения, как в Индии и Японии. По-настоящему популярной в России эта техника стала только в ХХ веке, особенно в современное время.
С точки зрения технологии нанесения специального (резервирующего) состава, основным компонентом которого является воск или парафин, различают батик холодный и батик горячий. В холодном батике рисунок наносится по холодному резерву, контур рисунка имеет замкнутую форму; в горячем батике — резерв горячий (анилиновые красители закрепляются паром), в результате нанесённый на резерв рисунок носит свободный, живописный характер.
**Кускар — орнаментальный мотив, представляющий собой роговидный, закруглённый, S-образный или спиралевидный завиток. Происхождение кускара связано с культурой кочевых народов и восходит к эпохе звериного стиля.
